Mendelssohn Concerto for Piano, Violin, and Strings in d minor, MWV O4

 

Mendelssohn Concerto for Piano, Violin, and Strings in d minor, MWV O4

 

d단조 이중 협주곡으로도 알려진 피아노, 바이올린, 현악을 위한 협주곡 d단조 MWV O4는 1823년 펠릭스 멘델스존이 14세였을 때 작곡되었다. 이 작품은 피아노와 현악기 MWV O1의 d단조 라르고와 알레그로, A단조 MWV O2의 피아노 협주곡, d단조 MWV O3의 바이올린 협주곡에 이어 관현악 반주가 있는 독주 악기를 위한 멘델스존의 네 번째 작품입니다. 멘델스존은 1823년 5월 25일 베를린의 멘델스존 자택에서 그의 바이올린 선생이자 친구인 에두아르트 리츠(Eduard Rietz)와 함께 개인 연주회를 위해 연주될 작품을 작곡했다. 이 개인 연주에 이어 멘델스존은 관악기와 팀파니를 추가하여 악보를 수정했으며 아마도 멘델스존이 큰 작품에서 관악기와 팀파니를 사용한 첫 번째 작품이다. 1823년 7월 3일 베를린 샤우슈필하우스에서 공개 공연이 열렸다. A 단조 피아노 협주곡(1822)과 마찬가지로 이 곡도 멘델스존 생애 동안 출판되지 않았으며 사후에 출판이 되었다.

 

작품의 구성

다양한 작곡가의 여러 작품이 멘델스존이 이 작품을 구상하는데 영향을 미쳤다. 멘델스존은 훔멜의 피아노, 바이올린, 관현악을 위한 협주곡 G장조 Op.17에서 피아노 독주와 바이올린의 특이한 조합을 그렸을 가능성이 높다. 멘델스존은 실제 1821년에 훔멜과 잠시 함께 공부했던 적이 있다. 젊은 멘델스존은 칼 마리아 폰 베버(Carl Maria von Weber)의 영향을 받았으며 F단조 콘체르트스튁(Konzertstück)을 자주 연주했다. Viotti, Rode 및 Kreutzer(프랑스 바이올린 기법을 개발한 대가 교육자)에 대한 Mendelssohn의 감사는 독주 바이올린에 대한 그의 글에서 분명하게 드러난다. 사용되는 기술에는 포르타토, 불분명한 스타카토 및 포르타멘토를 암시하는 숫자가 포함된다. 이 작품은 베버의 피아노 협주곡 2번 E플랫 장조 Op. 32와 구조가 유사하다. 멘델스존 자신의 작품에서 관현악 반주로 현악 부분만 사용하는 것은 그의 현악 교향곡을 연상시키는데 현악 교향곡은 C.P.E 바흐의 신포니아의 영향을 받았다. 

 

1악장 알레그로 (d딘조)

알레그로 악장은 고전 시대의 전통적인 협주곡 소나타 알레그로 형식으로 투티와 독주 부분이 번갈아 나타나는 바로크 리토르넬로 협주곡을 어느 정도 모델로 삼았다. 악장 전반에 걸쳐 확장될 주제를 제시하는 오케스트라 투티로 시작됩니다. 메인 테마는 바흐 스타일을 연상시키며 바로크 시대를 연상시키는 대위법적 질감과 명확한 화성 구조로 이루어져 있다. 이는 또한 그의 작곡 멘토인 칼 프리드리히 젤터(Carl Friedrich Zelter)가 멘델스존에게 제공한 다양한 대위법 연습을 반영하는 것으로 보입니다. 1주제에 이어 2주제는 F장조로 도입되며 매우 서정적이고 낭만주의적인 느낌이 가미되어 있다. 2주제가 끝나면 1주제의 엄격한 대위법으로 돌아간다. 오케스트라가 부드러운 종지에 가까워지면 피아노 독주가 갑자기 più Lento라고 표시된 아르페지오로 시작된다. 바이올린 독주가 들어와 피아노를 흉내내며 두 악기가 함께 조화롭게 연주된다. 연속 악절과 두 독주자의 까다로운 아르페지오로 가득 찬 F장조로 잠시 전환한 후 2주제가 시작됩니다. 바이올린은 멜로디를 가지고 있고 피아노는 서정적인 반주를 연주한다. 2주제는 다양한 조성을 탐색하고 끝날 때 바로 F장조로 돌아간다. 오케스트라가 곧 이어받고 독주 악기가 다시 들어와 놀라울 정도로 균형 잡힌 듀오로 서로를 흉내내며 제시부를 마무리한다.

다양한 키를 탐색하는 서정적인 오케스트라 투티가 끝난 후 전개부가 시작됩니다. 그러나 전형적인 고전시대 협주곡과 달리 관현악 반주 없이 D플랫 장조의 레치타티브 부분으로 전개가 시작된다. 이 레치타티보 부분은 바이올린이 소프라노로 노래하고 피아노가 오케스트라의 트레몰로를 모방하는 등 모차르트의 오페라를 연상시킨다. 아마도 Weber의 클라리넷과 피아노를 위한 Grand Duo Concertant(1817)의 유사한 구절에서 영감을 받은 것 같다. 레치타티보 부분이 끝나면 템포가 빨라지고 오케스트라가 다시 들어옵니다. 나머지 전개에는 피아노의 옥타브 악절과 아르페지오의 시퀀스가 포함되어 있으며 독주 바이올린의 현악기 교차와 두 악기의 기교적인 16분음표 악절이 나타난다.

재현부에는 오프닝 시퀀스가 다시 등장하고 이번에는 D 장조의 2주제로  d 단조로 끝난다. 악장은 멘델스존이 직접 작곡한 매우 기교적인 카덴차로 끝난다. 카덴차에서는 두 악기 모두 서정적인 멜로디와 어려운 대위법의 조합을 연주하여 흥미진진하게 마무리된다. 

 

2악장 아다지오 (A장조)

이 악장은 3부 형식으로 되어 있으며 A장조로 되어 있다. 오케스트라 투티는 아름다운 선율로 시작되는데, 이는 6년 후 작곡된 멘델스존의 "무언가"의 스타일을 옅볼 수 있다. 그런 다음 솔리스트가 등장하고 피아노가 먼저, 바이올린이 뒤따라 주요 주제를 자신만의 방식으로 처리하고 장식하며 오케스트라는 침묵을 유지한다. 중간 부분에서는 바이올린이 메인 테마를 연주하고 피아노는 반주를 통해 서로 다른 멜로디를 탐색한다. 마지막으로 오케스트라가 주요 주제로 돌아오고 솔리스트들이 평화롭게 악장을 마무리한다.

 

3악장  알레그로 몰토 (d단조)

마지막 악장인 Allegro molto는 베이스의 어려운 도약과 함께 주요 주제를 소개하는 피아노로 시작하는 d단조의 론도이다. 그런 다음 독주 바이올린이 들어와 오케스트라가 일제히 불타는 투티(tutti)로 시작될 때까지 피아노를 울린다. 솔리스트들은 빠른 16분 음표 악절과 주제 교환의 기교적인 상호 작용에 들어가 갑자기 피아노가 바흐 코랄을 연주한다. 독주 바이올린이 코랄 멜로디를 취하고, 오케스트라와 피아노가 그 아래에서 대위법을 연주한다. 코랄에 이어 피아노가 이중 옥타브를 연주하고 독주 바이올린이 어려운 이중 정지를 연주하면서 다양한 조성에 대한 탐구가 이루어진다. 이번에는 D장조로 코랄 멜로디가 다시 도입된다. d 단조는 솔리스트가 빠른 악절, 어려운 이중 멈춤 및 이중 옥타브를 연주하면서 돌아온다. 오케스트라는 폭발적인 화음으로 합류하며 곡은 강렬함과 기교로 마무리된다. 이 협주곡은 바로크 양식에 대한 관심이 되살아나고 고전적 형식의 완벽한 활용과 진정한 낭만주의의 출현 등 초기 낭만주의의 전형을 보여준다.

 

음반 

Gidon Kremer (violin)
Martha Argerich (piano)
Orpheus Chamber Orchestra
녹음: 1988/5 Stereo, Digital
장소: Studio 1, Radio DRS, Zurich

이 작품은 관악기와 타악기를 추가한 버전도 있기는 하지만 기본적으로 현악 오케스트라가 반주를 하면서 조금 소외된 면이 있는 것 같다. 베토벤의 3중 협주곡이나 브람스의 2중 협주곡이 2명의 스타 솔리스트를 모셨을 때의 흥행성 때문에 실황에서도 자주 연주가 되고 녹음도 자주 되는 것에 비하면 이 작품은 주요 음반사에서 나온 음반이 매우 드물다. 그 와중에 크레머와 아르헤리치가 내 놓은 음반이 있어 결정반이 되 버린 것 같다. 숨겨진 작품을 발굴하는 걸 좋아하는 크레머의 입김이 작용한 것도 같은데. 크레머는 기본적으로 날카로우면서도 가끔 섬세한 감정 표현을 해 주고 아르헤리치는 명징하고 존재감 있는 피아노를 들려준다. 자주 듣는 곡이 아니라 곡에 대한 느낌이 연주보다 앞서는 것 같은데 36분이나 연주되는 이 시기 협주곡 치고 꽤 대작임에도 14살 때 작품이라 바로크 느낌도 많이 난다. 14살이면 파니의 입김도 많이 들어갔을 것 같은 상상을 하게 된다. 1, 2악장에서는 바이올린이 주도를 해서 피아노가 바로크 음악의 통주저음 챔발로 같다는 느낌 마저 든다. 1악장은 1, 2주제가 모차르트 교향곡 40번을 살짝 연상시키고 2악장은 피아노 반주에 바이올린이 부르는 노래 같다. 3악장 초반에 피아노가 주도권을 가져와서 더블 콘체르토 임을 알려주는데 내가 크레머와 아르헤리치 팬이라서 재밌게 들렸는 지는 몰라도 재밌게 들을 수 있었다.